Mengulas rancangan seni Eropah pada tahun 1891, penyair dan pengkritik seni Belgium Émile Verhaeren menyatakan bahawa tidak ada lagi pergerakan atau kumpulan, hanya kecenderungan saingan yang berubah pantas seperti “corak geometri kaleidoskopik, yang bertembung pada satu ketika hanya untuk bersatu pada yang lain . . . fius dan kemudian terpisah dan terbang berasingan. . . tetapi semuanya berkisar dalam lingkungan yang sama, iaitu seni baharu”.
Apakah seni baharu itu? Dalam zaman yang sangat kaya dan membingungkan antara pameran Impresionis terakhir pada tahun 1886 dan perang dunia pertama, peluang yang dicipta oleh ciptaan Impresionisme menarik beratus-ratus artis yang bersemangat, menyerbu ke Paris, mengelilingi Berlin, Vienna, Munich, masing-masing yakin akan kebenaran mereka sendiri. penglihatan. Ia adalah subjek yang mengagumkan, dan gambaran keseluruhan Galeri Nasional Selepas Impresionisme: Mencipta Seni Moden mengasyikkan, menyeronokkan dan memberi pengajaran, bermula dan diakhiri dengan perarakan hebat beberapa lagu popular era itu.
Mewah dan melimpah, galeri pembukaan yang besar diterangi oleh amplitud lut sinar Cézanne — sapuan dan kiub “Mont Sainte-Victoire” yang berkelip-kelip, “Bathers” menyatu dengan persekitaran hutan mereka, mencondongkan objek yang tidak menentu dalam “Sugar Bowl, Pear dan Alas Meja” — dan dengan respons Van Gogh yang tersiksa terhadap Provence.
Sorotan ialah kuartet Van Gogh yang kurang dikenali daripada koleksi peribadi, diketuai oleh “Landscape with Ploughman”, pemandangan dari suaka Saint-Rémy tentang ladang gandum kuning dan tanah keunguan tebal di bawah matahari yang besar “yang membanjiri segala-galanya dengan cahaya emas tulen”, seperti yang ditulis oleh artis itu. Kumpulan itu juga termasuk yang paling cantik daripada enam potret “L’Arlésienne” yang dipermudahkan dan lembut., menggambarkan Madame Ginoux, pemilik Arles’ Café de la Gare; hanya dalam versi ini terdapat kontras pakaian dan wajah merah jambu-hijau rata yang dianimasikan dengan indah oleh latar belakang bunga yang berdenyut.
‘Fête Gloanec’ (1888) oleh Paul Gauguin © Muzium Seni Halus, Orléans
Nota gelap dalam bahagian ini adalah milik Gauguin. Filem “Nevermore” bogel yang tidak selesa, fantasi Tahiti yang dibuat nyata, lukisan penindasan seksual dan penjajah, kini sangat bermasalah. Tetapi dua lukisan 1888 yang jarang ditayangkan memaksa untuk inspirasi mereka yang berbeza: “Fête Gloanec”, kek dan buah-buahan Breton terapung yang aneh di atas meja berbingkai hitam, memberi penghormatan kepada Cézanne, manakala “The Wave”, yang memeningkan, pemandangan laut hampir menegak batu dan pusaran, berasal dari lukisan Monet yang menjunam, Belle Île, yang dipamerkan pada tahun 1887.
Antara pengkritik ini adalah anarkis Félix Fénéon, yang mengadu bahawa Monet cenderung untuk “membuat alam semula jadi meringis” – bahawa landskap Impresionis, yang berubah menjadi herotan yang semakin tinggi, telah kehabisan tenaga. Van Gogh, mengkaji sebatan koma berliku Monet dan warna bebas pada tahun 1886-88, akan mengasimilasikannya ke dalam landskap emotifnya sendiri untuk menjadi bapa Ekspresionisme, membuktikan Fénéon salah. Tetapi, sementara itu, rakan anarkis Fénéon Georges Seurat dan Paul Signac mengubah penekanan Impresionis pada warna tulen, cahaya dan bentuk menjadi sesuatu yang sistematik, berstruktur dan tidak peribadi — geometri kaku pointilisme.
Dalam ketenangan Seurat, walaupun susah payah, “The Channel of Gravelines” (1890), pantai dalam cahaya pagi, jalur laut, satah pasir mendatar yang luas dan langit yang diimbangi oleh menegak nipis tiang dan jaringan menara isyarat menjadi mozek bercahaya titik. Dalam “Setting Sun. Memancing Sardin. Adagio.” (1891), gradasi warna berkilauan pada air yang membengkak perlahan-lahan, bot berbaris menentang matahari terbenam – gembira.
Pencarian anarkis untuk ketertiban di atas kanvas mungkin kelihatan paradoks, tetapi memihak kepada titik mekanikal berbanding sapuan berus individu adalah satu isyarat politik. Menentangnya ialah Maurice Denis, “neo-tradisionalis” gaya sendiri Katolik dan tokoh utama bagi pelukis Nabis (Nabi) yang bersekutu secara longgar. Karya yang mereka namakan “The Talisman”, melawat ke sini dari Musée d’Orsay, adalah lakaran 1888 Paul Sérusier tentang landskap sebagai tompok kuning dan biru. Denis memperolehnya dan pada tahun 1890 menerbitkan panggilan jelas bahawa lukisan moden menjadi “permukaan rata yang ditutup dengan warna yang dipasang dalam susunan tertentu”.
‘The Talisman, landskap di Bois d’Amour’ (1888) oleh Paul Sérusier © Musée d’Orsay, Dist. RMN-Grand Palais
Sudah pada tahun 1870-an, pengulas perseptif memahami bahawa subjektiviti rendering Impresionis membuka jalan kepada abstraksi; pada tahun 1890-an dan 1900-an, laluan itu menjadi lebuh raya berbilang lorong, yang sering dikunjungi oleh kenderaan yang pelbagai. Walaupun berantakan dan tidak sekata, bahagian tengah di sini membangkitkan kekeliruan kaleidoskopik yang digambarkan Verhaeren — segala-galanya di mana-mana sekali gus dekad.
Di Paris, “Tokoh di Dalaman: Muzik”, Panel pemain piano, pendengar dan bunga Vuillard yang dilarutkan ke dalam kertas dinding, dicat dengan pigmen yang dicampur dengan gam untuk meniru friezes purba berkapur, dan juga mengimbau permaidani zaman pertengahan — sambil pada masa yang sama menjangkakan abstraksi menyeluruh. Di Vienna, Klimt dalam “Hermine Gallia” mengisi kanvas dengan pakaian sebagai hiasan permukaan, dipengaruhi oleh hiasan Byzantine. Di Moscow pada tahun 1895, Kandinsky melihat Monet: “Bahawa ia adalah timbunan jerami, katalog memberitahu saya. Saya tidak mengenalinya. . . objek telah didiskreditkan.” Dia membayangkan landskap sebagai bentuk dan tanda tulen: di sini rumah-rumah dan bukit-bukit disingkatkan menjadi jalur-jalur dan jalur-jalur di “Desa Bavaria dengan Padang”.
‘Wanita dengan Pear (Fernande)’ (1909) oleh Pablo Picasso © Scala/Dig. Imej MoMA, New York
Kandinsky tunggal ini adalah contoh yang buruk, dan satu kekecewaan di sini adalah seni bukan Paris yang kurang. Futurisme Itali dan Rusia tidak hadir sepenuhnya. Di bawah tajuk “Suara Baharu: Barcelona & Brussels”, gandingan rawak yang tidak bermakna, Picasso (sudah berada di Paris) memukau orang lain dengan potret malam yang menggetarkan “Gustave Coquiot” (1901) di kelab malam Montmartre. Bahagian Modenisme Jerman dan Austria mengetepikan dua radikal hebat Egon Schiele, pengganti Klimt yang memusnahkan psikologi dalam lineariti melampau, dan Ernst Ludwig Kirchner, ketua dari 1905 kumpulan Ekspresionis Die Brücke. Lukisan Jerman yang ditawarkan sebaliknya, seperti “Charlotte Cuhrt” Max Pechstein dalam bingkai altar, yang diperoleh oleh Galeri Negara tahun lepas, kebanyakannya lemah.
Menyimpulkan kembali di Paris, pertunjukan itu pulih, dan kadang-kadang mengejutkan. “The Dance” André Derain yang sangat gagah, berputar dengan ular melintasi hutan, menunjukkan pengaruh daripada topeng Gabon, arca kuil Jawa, langsir Romanesque — huru-hara yang hebat dan karya yang tidak diketahui. “Dalaman dengan Gadis Muda” Matisse, anak perempuannya membaca dengan tenang di dalam bilik yang menyala dengan warna kontras panas dan corak hiasan yang mengagumkan, adalah pinjaman Fauve yang menakjubkan daripada MoMA. Braque’s “Castle at La Roche-Guyon”, bangunan memanjat kanvas sebagai dinding dan bumbung yang berasingan, dan Picasso “Woman with Pears”, kepala kekasihnya Fernande Olivier terpecah menjadi serpihan, kedua-duanya pada tahun 1909, secara klasik membongkar Cézanne ke dalam kubisme.
Untuk memaparkan sejarah seni kanonik seperti itu — trio Cézanne, Van Gogh dan Gauguin, yang sangat asas untuk Picasso, Matisse, abad ke-20 — merupakan satu pencapaian di UK: koleksi penting adalah di Perancis dan AS. Tetapi sejak John Rewald mentakrifkan keturunan ini pada tahun 1940-an dan 1950-an, pemandangan segar telah merumitkan gambaran — bukan sahaja di luar Paris tetapi juga memahami karya-karya kemudian oleh Impresionis sendiri. Adalah salah untuk memasukkan Degas di sini, tetapi bukan Pissarro, jambatan ke pointillism, atau Monet, yang menyamai eksperimen Kubisme dalam ruang terputus dan irama bergerigi “Water Lilies” miliknya, subjek pertunjukan Paris 1909 yang terkenal. Ini adalah pameran yang baik dan mantap; kanta yang lebih luas akan menjadikannya satu yang hebat.
Hingga 13 Ogos, nationalgallery.org.uk
Ketahui tentang cerita terbaharu kami dahulu — ikuti @ftweekend di Twitter
